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Frank
Zappa tiene una discografía y un material de archivo impresionante, algo fuera de lo común, múltiples grabaciones y un montón de videos dan cuenta de una vida llena de música.
Este es un concierto en diciembre de 1991 en el
Teatro Ritz de la ciudad de Nueva York donde se empezaba a marcar y rendir un pequeño homenaje al legado que dejaría Zappa y también fue el momento que la familia anunciara formalmente de la gravedad del cáncer que padecía y que dos años más tarde acabaría con su vida. De aquel concierto donde también actuó Steve Vai tocando el Dirty Love, aparecía también un Mike Keneally soberbio y grandioso con la guitarra.
King Crimson ..... el título del tema "Sartori in Tangier" se inspiró en el libro de Kerouac Satori in París, y la ciudad de Tánger, Marruecos,
era el lugar de residencia de numerosos escritores beat en la década de
1960. Está en su mayoría inspirado en la generación beat y sus principales escritores. Es el único álbum de estudio de la banda que no tiene una canción
con el título del álbum.
Xenochrony
es una técnica musical basada en estudio desarrollada en una fecha
desconocida, pero posiblemente ya a principios de la década de 1960, por
Frank Zappa , quien la utilizó en varios álbumes.
Xenochrony se ejecuta extrayendo un solo de guitarra u otra parte
musical de su contexto original y colocándole en una canción
completamente diferente, para crear un efecto inesperado pero agradable. Dijo que esta era la única forma de lograr algunos ritmos . La palabra deriva de las palabras griegas ξένος ( xenos ) , extraño o extranjero, y χρόνος ( chronos ) , tiempo. Uno de los ejemplos más destacados de xenochrony se puede encontrar en la ópera rock Joe's Garage
(1979), de Zappa, en la que los solos de guitarra son todos xenócronos
(con la excepción de "Watermelon In Easter Hay" y "Crew Slut"). En palabras del propio Zappa:
Una pieza clásica de "Xenochrony" sería "Rubber Shirt", que es una canción del álbum Sheik Yerbouti . Se necesita una parte del conjunto de batería que se agregó a una canción con un tempo.
El baterista fue instruido para tocar junto con esta cosa en particular
en un compás de tiempo determinado, once y cuatro, y esa parte del
conjunto de batería fue extraída como un pedacito de ADN de esa cinta
maestra y colocada aquí en este pequeño cubículo.
Y luego la parte de bajo, que fue diseñada para tocar junto con otra
canción a otra velocidad, otra velocidad en otra marca de tiempo, cuatro
y cuatro, que fue eliminada de esa cinta maestra y puesta aquí, y luego
las dos se emparejaron juntas.
Y así el resultado musical es el resultado de dos músicos, que nunca
estuvieron en la misma habitación al mismo tiempo, tocando a dos ritmos
diferentes en dos estados de ánimo diferentes para dos propósitos
diferentes, cuando se mezclaron, produciendo un tercer resultado que es
musical y se sincroniza de una manera extraña. Eso es Xenochrony. Y lo he hecho en varias pistas.
Xenochrony se puede escuchar tan temprano en la carrera de Zappa como 1967: en The Mothers of Invention´s We're Only in It for the Money , la canción rítmica de la línea de coro de "How Could I Be Such A Fool" en Freak Out ! (que consiste en la batería, el bajo, el vibráfono y la orquesta) se usa en el final de "Lonely Little Girl". Como puedes ver este solo lo coloco en el Joe´s Garaje en el tema On the Bus.
Nunca me cansare de oír esta obra maestra de Frank Zappa. Aquí la tenemos del disco The eyes of Osaka editado en 1990, este tema fue lanzado en el "Zoot Allures" de 1976 pero anteriormente lo toco en directo en Japón Osaka en febrero de 1976 que es el que suena y el que le daría pie para el solo que se pega en el Zoot Allures.
Menos mal que mi hijo me ha recordado este tema y este disco que tenia olvidado. Un gran guitarrista Zachary Breux, un fuera de serie que en los 80 trabajo como músico de sesión pero luego se lanzo hacer su propia carrera y colabora con músicos como Ron Ayers, Dee Dee Brigewaters, etc.. Después publica este discazo "Groovin" en directo, luego "Laid Back" y por último "Uptown Groove" pues fallecía ahogado en una playa de Miami cuando intentaba salvar a una bañista. Solo nos dejo 3 discos este maravilloso guitarrista que nos hubiese dado muchos buenisimos temas, una gran perdida pero al menos tenemos su legado pues su música nunca tendrá fecha de caducidad.
Sube el volumen y disfruta......sin palabras..... Con la aparición de este disco fue un momento esencial y decisivo en la música y sobre todo en el Jazz/Funk ....sin duda es el disco que marca y suscribe definitivamente lo que seria llamado el jaaz/funk del genero fusión y aún sigue siendo su disco más notable...una joya mítica.....el Maestro Herbie Hancock nos mostró el camino....sin duda.
Herbie Hancock en directo con Ndugu Chancler drums, Wah
Wah Watson guitar, Darryl Jones bass, Herbie Hancock keyboards. Este es otro discazo del Maestro Herbie Hancock, otra joya del fusion-funk-jazz- que precede a la otra joya de Head Hunters. La guitarra de Wah Wah Watson hace de este disco algo diferente a los otros.
Para Jorge Benítez Delgado.......Jimi Hendrix que estas en los cielos.......
Versión inédita que salio esta semana del tema de Muddy Waters"Mannish Boy" por Jimi Hendrix en u nuevo disco que saldrá el próximo mes de marzo llamado "Both Sides Of The Sky" con diez canciones desconocidas por lo visto hasta ahora.
Con Band of Gypsys, Hendrix editó en 1970 un álbum homónimo, grabado en
vivo. Ese fue el último álbum autorizado que lanzaría en vida, ya que
murió en setiembre de ese mismo año con tan solo 27 años ingresando como un miembro más del famoso "el club de los 27".
Una extraordinaria película que he visto al menos 3 veces, una banda sonora de las de antes ..magnifica, una pedazo Orquesta Sinfónica de Tenerife bajo la batuta de un sensacional Diego Navarro haciendo el clásico de Bernard Hermann con un Kike Perdomo al saxo alto realmente fabuloso....una gozada...disfrútenlo.
Primer sencillo de su tercer álbum de estudio, Eat a Peach (1972) de The Allman Brothers Band. La canción, escrita por Gregg Allman , se refiere en gran parte a la muerte de su hermano, Duane Allman, quien murió en un accidente de motocicleta en 1971. Tras la muerte del líder del grupo y guitarrista Duane Allman, Allman Brothers Band regresó al estudio para completar Eat a Peach, que estaba a mitad de producción en el momento de su fallecimiento. Gran parte del contenido lírico de la canción trata de su muerte y Gregg Allman sintió que el tema "era lo único que sabía hacer en ese momento". Allman había completado la mayor parte de la música de la canción antes
de la muerte de su hermano, pero se sintió obligado a grabarla cuando
el bajista Berry Oakley y el baterista Jaimoe le preguntaron al respecto. Procedió a escribir la letra de la canción, que también concierne a los soldados que vuelven a casa de la Guerra de Vietnam, en un piano Steinway en Criteria Studios en Miami , Florida, donde se grabó en diciembre de 1971. El guitarrista Dickey Betts
deslizó la guitarra después de la tragedia y se tomó su tiempo para
asegurarse de que su interpretación de la canción estuviera a la altura. Allman recordó más tarde que recordaba a Betts practicando parte de la canción en el avión hacia Miami.
Big Brothers & The Holding Company es la banda donde destaco sobre manera su cantante principal que era la Grande de Janis Joplin. La banda se formo en San Francisco en 1965 como parte de toda aquella escena psicodélica en donde tantos grupos comenzaron. Call on me de su álbum homonimo de 1967. Su álbum de 1968, Cheap Thrills se considera una de las obras maestras del sonido psicodélico de San Francisco.
De su álbum Paranoid de 1970 " Planet Caravan " de Black Sabbath. Geezer Butler ha declarado que el significado de la canción está flotando a través del universo con el amante de uno.Ozzy Osbourne usa un parlante Leslie para lograr los efectos de agudos y vibrato de las voces. Las partes del piano en la pista fueron tocadas por el ingeniero del álbum Tom Allom. Iommi sobre grabó la flauta al master multipista invertido, que luego se reenvió y se trató con delay estéreo.
" Aquí hay una iglesia y aquí hay un campanario ...aqui hay un maldito que tengo que arrancar....esta es mi oportunidad de curar los males de la gente...pero no hasta que haga pagar a este maldito....Y oh, baby cuento los días " Una gran canción Prince de los 90's del álbum "Exodus" de 1995 .... la canción también aparece en la película "Girl 6" de Spike Lee en 1996 y está incluida en su banda sonora. Un fantástico Prince colocando temas donde el sabe que tiene que poner los.
"White Mansion" es el 8º tema del tercer disco del nuevo Prince en solitario de 1996 Emancipation grabado en Paisley Park Studios, en Chanhassen, Minnesota. La canción presenta a la hermana de Mayte (ex mujer de Prince), Janice García, como una mujer que encuentra algo divertido en la televisión y se le escucha al final del tema. Prince toca todos los instrumentos y las voces. No se sabe que haya interpretado alguna vez esta canción en directo.
" Love Sign " del álbum de compilación 1-800-NEW-FUNK lanzado por su sello independiente NPG Records en 1994. "Love Sign" fue una de las canciones más exitosas del álbum, es un dúo con Nona Gaye, aunque Prince (conocido como "The Artist Formerly Prince Prince" en
ese momento debido a su cambio de nombre por símbolo impronunciable) no esta acreditado como cantante debido a su disputa contractual con Warner Bros. Records. Un single promocional fue enviado a las estaciones de radio de manera
independiente a través de la empresa de Prince, NPG Records y no fue
lanzado comercialmente. La canción tiene un mensaje contra la violencia y tuvo éxito en las
listas de R & . El vídeo musical fue filmado por el rapero Ice Cube en 1994. Recibió publicidad importante en BET y tuvo mucho éxito. La mayor parte del vídeo fue grabado en Paisley Park .
Prince. Esta canción
fue lanzada por primera vez como un single independiente en el año 2000.
Lamentablemente, la una única versión fue editada y nos llevó 4 años
enteros para escuchar esta increíble versión completacuando
estuvo disponible para descargar solo en el sitio web de NPG Music Club
en 2004 ... El final del coro gospel no se incluyó
en el lanzamiento primero, una lastima ya que es increíble y realmente eleva la
canción hacia los cielos ....hacia Prince que estas en los cielos...
PRINCE & NPG ......FUNKY....FUNKY....FUNKY "Sex me baby,
Sex me not, Come 2 the after-party, ... Let's it can hot ..." Esta pista se lanzó por primera vez en 2001 como descarga MP3 en el sitio
web de 'NPG Music Club' y fuemás tarde incluido en el álbum de Prince 'The Chocolate Invasion' de 2004 con esta mezcla más larga. Thanks Dick Holmes.
Exodus es el segundo álbum de estudio de Prince & New Power Generation. Aunque tiene 21 pistas, muchas de ellas son segmentos narrativos, dejando solo nueve canciones reales. De esos, uno es un instrumental. El álbum engendró 3 singles, sin embargo, solo uno fue lanzado en los Estados Unidos. El álbum
"Exodus" es de 1995, brutal y parece que fue lanzado
solo en Europa, o por lo menos 2 de los singles. La canción más destacada es "The Exodus Has Begun" una pasada de temazo. Una
jam session brutal y larga que duró diez minutos, lo que
demuestra que lo estaban gozando. Otro de esos temazos que el maestro Prince se marcaba.
Uno de los músicos que mas admiro sin duda es Prince, no se si se nota un poco.....Esta magnifica mezcla extendida de "Pretty Man" se puede encontrar en el 2000 "Rave In2 The Joy"Fantástico álbum que fue el álbum acompañante de" Rave Un2 "de 1999. Esta tema es importante porque marca la primera aparición de Maceo Parker en un disco
de Prince después de esto, colaboraron con frecuencia .....Gracias a mi compinche Mr. Dickie Holmes por facilitarme estos temazos...Dickie Holmes eres un crac !!
Cuando escuche a Ronny Jordan por primera vez con el primer disco que saco allá por el año 1992 fue realmente increíble pues para mi fue el mejor álbum de él. Los demás son muy buenos pero "The Antidote" es un discazo de principio a fin. Lo escuche hasta aburrirme ....pero no me aburría nunca y la versión de Miles "So What" es de las mejores versiones que he escuchado...al menos de los mejores arreglos, pues hizo un temazo del tema de Miles con su firma indiscutible. Lo compre varias veces y lo regale otras tantas veces. El día 14 de enero hizo 4 años de su fallecimiento y nos dejo con solo 51 años de edad....su música nunca tendrá fecha de caducidad.
Ronny Jordan gran guitarrista británico que nos ofreció unos cuantos magníficos álbumes con su música y que a mi me dio maravillosos momentos donde sus temas me acompañaron y son inolvidables.
Magníficos temas los que nos brindaron estos tres fueras de serie con esta formación Robben Ford Guitar, Jimmy Haslip Bass, Vinnie Colaiuta Drums - Jing Chi. Siempre he sido un forofo de Vinnie Colaiuta pues me parece un batería impresionante y fuera de lo común.
No se porque pero amo este tema, desde la primera vez que lo escuche me hice con el disco inmediatamente tenia que tener este tema cerca y poderlo escuchar cuando quisiera y las veces que quisiera pues no me iba a aburrir de él nunca......la música es algo maravilloso, es aquello que no se puede expresar con palabras....es esa zona que esta situada entre los espiritual y los sentidos ...por eso dicen que la pura verdad es la música. Jing Chi fue un trió que se unió con los siguiente formación Robben Ford on guitar, Jimmy Haslip on base and Vinny Colaiuta on drums.
Escrita por el compositor Ewan MacColl
para Peggy Seeger, quien más tarde se convertiría en su esposa. En esa
época ambos eran amantes, aunque MacColl estaba casado con otra mujer.
MacColl escribió la canción para Seeger, también cantante de folk,
cuando ella le pidió que le escribiera un tema para una obra de teatro
en la que actuaba. MacColl escribió la canción y se la enseñó a Seeger
por teléfono. Otra versión acerca de la creación de esta canción dice
que MacColl fue desafiado por un amigo a escribir una canción de amor
que no estuviera relacionada con la política. Esta canción fue el
resultado. MacColl y Seeger incluyeron la canción en su repertorio, mientras
actuaban en clubes folk en Gran Bretaña. Durante la década de 1960, fue
grabada por varios cantantes folk (incluyendo una versión con un solo de
guitarra instrumental de Bert Jansch). La canción entró en la corriente principal del pop cuando fue publicada por Roberta Flack,
en 1972. La versión de Flack era mucho más lenta que la original: la
primera grabación en solitario de Seeger, por ejemplo, duraba menos de
dos minutos y medio, mientras que la de Flack tiene más del doble de
duración. MacColl supuestamente odiaba casi todas las grabaciones de la canción, incluyendo la de Flack. Su nuera lo citó diciendo: "Él las odiaba a todas. Tenía una sección especial en su colección
de discos para ellos, titulada "La Cámara de los Horrores". Dijo que la
versión de Elvis
fue como Romeo al pie de la Post Office Tower cantándole a Julieta. Y
las otras versiones, pensaba, eran parodias: machaconas, histriónicas y
carentes de gracia". La canción fue popularizada por Roberta Flack y se convirtió en un éxito
de la cantante después de que apareció en la película "Play Misty for
Me" (Escalofrío en la noche, en español) debut de Clint Eastwood en 1971. Aunque la canción apareció por
primera vez en 1969 en el álbum de Flack, "First Take". Esta era de aquellas de las "lentas" que siempre esperabas para sacar a la pibita que te gustaba.
El Gran Dickie Holmes nos ofrece siempre todo lo mejor de Prince, gracias a él he podido recuperar y escuchar temas a los que no había podido llegar.......Gracias Dickie Holmes eres un crac !!
"You
Must Believe in Spring" es un disco extraordinario de Bill Evans. Fue su primera grabación para Warner Brothers después de una larga y fructífera asociación con Fantasy Records. Grabado
en agosto de 1977 en los estudios Capitol en Los Ángeles, pero no
lanzado hasta principios de 1981, también fue el primer álbum lanzado
por cualquier compañía después de la muerte del pianista en septiembre
de 1980. Todavía
se mantiene como uno de los álbumes más "billevans" que hay, muchas de las cualidades únicas atribuidas a su forma de tocar
en los últimos años se pueden encontrar en esta grabación.
Uno
de los discos más queridos, también fue la última sesión que Bill hizo con el
bajista Eddie Gomez, quien amigablemente dejó el trío poco después de
estas fechas para perseguir otros proyectos. Apareciendo
en el programa "Piano Jazz" de Marian McPartland en 1979, Evans habló
de este álbum aún sin título, en el sentido de que ya estaba "en la
lata" y específicamente comentó qué tan bien toco Gomez en la cita. Incluso
entre los bajistas y otros músicos que trabajan, todavía es una
maravilla cómo estuvo tan afinado sintonizado no solo con las ideas
melódicas de Bill, sino también con sus rubatos libremente
interpretados, sabiendo dónde entrar en un cambio de acorde o dónde
aterrizar en estrecha sincronización con el piano a pesar de que el
tempo puede ser tan lento (como en muchas introducciones) como para ser
esencialmente indefinido. Este CD es evidencia de cuánto Gómez había crecido como músico y de su interacción a menudo simbiótica con Bill.
Sin duda uno de los discazos de Evans en trió...después de escuchar este disco me da igual que llueva o que haga sol en primavera.
"Gary's
Theme", temazo que Bill Evans toca con gran delicadeza y
precisión. El tema es de su viejo amigo el pianista Gary McFarland, con quien
hizo un álbum para Verve en 1963. A menudo lo llamaba "Gary's Waltz"
cuando Evans lo tocaba en directo. Es otro de los destacados en el
catálogo de Evans y suena casi como si hubiera sido escrito
específicamente para él. Bill estudia minuciosamente cada nota, con la concentración tan aparente que casi llega a través de los altavoces. La canción usa un tono común en la melodía del puente, sobre el cual armonías cambiantes entrelazan la historia.
Esta reedición remasterizada es una joya y con sus tres pistas "nuevas", es casi temerario no tenerla. Ya
era uno de los álbumes más respetados de Evans por su calidad de sonido
absolutamente soberbia, diseñado por el veterano asistente de sonido Al
Schmitt, cuyo increíble trabajo en "Aja" de Steely Dan (también 1977),
"Breezin" de George Benson, Natalie Cole "Inolvidable" y tantos otros
han sido muy elogiados.
Extraordinario cover del temazo de Neil Young de su disco Zuma, "Cortez the Killer", una extraordinaria Grace Potter a la voz y tocando el órgano Hammon junto a Joe Satriani, Steve Kimock, Reed Mathis, Willy Waldman y Stephen Perkin. BRUTALES !!
Este vídeo es de la cosecha de mi estimado y querido compinche y Master en fotografía Aarón S. Ramos que me lo envió el otro día ....y oye ...la verdad es que me supo este vídeo y tema de Grace Potter pues no lo conocía. Grace Potter and the Nocturnals es una banda estadounidense de rock originario de Vermont, fue formada en el 2002 en Waitsfield por el baterista Matt Burr, el guitarrista Scott Tournet, y la cantante Grace Potter,
comenzaron su carrera como una banda independiente, auto-promocionando
sus álbumes y participando en eventos de bandas locales y festIvales de
música, participando en más de 200 conciertos en una año. En 2005
firmaron un contrato discográfico con Hollywood Records; ellos han lanzado cuatro álbumes de estudio, los cuales abarcan subgéneros tales como blues rock, folk rock, hard rock, y rock alternativo. Su tercer álbum homónimo ha sido el de mayor éxito comercia. La banda es liderada por el vocalista y multi-instrumentista Grace
Potter (n. 20 de junio de 1986), quien es conocida por sus cualidades
vocales. Además de ser la vocalista de la banda, Potter también interpreta el Hammond B3, el Piano Rhodes, el Piano eléctrico Wurlitzer, la guitarra eléctrica (incluyendo la Gibson Flying V) y la guitarra acústica. Los otros miembros de la banda son: Scott Tournet, en la guitarra (incluyendo la guitarra Slide y la armónica, el baterista y también esposo de Potter Matthew Burr, Michaek Libramento en el bajo eléctrico y teclados, y Benny Yurco en el bajo eléctrico y voces. Bryan Dondero interpretaba el bajo eléctrico, el contrabajo y la mandolina en el grupo hasta su separación a comienzos de 2009. La banda fue originalmente formada a mediados de 2002 cuando Burr vio a
Potter interpretar canciones de folk en un lugar para estudiantes
llamados The Java Barn en el campus St. Lawrence. Burr se acercó a Potter y le propuso comenzar una banda, citando a James Brown y The Band
como las influencias que él escuchó en la voz de Potter y canciones
originales. En el verano de 2003, Burr invitó a el guitarrista Tournet a
unirse en la banda, consolidando así los miembros de la banda que se
convertirían en Grace Potter and the Nocturnals.
Uno de esos temas que se te quedan grabados como una de las más bellas baladas que puedas escuchar y mucho más si están en las manos y en la voz de estos dos grandes músicos. Maravillosa versión instrumental del genio de Bill Evans del precioso tema de Michel Legrand para la película The Happy Ending....sin palabras. Debajo pongo la versión cantada de Melissa Errico ....igualmente sin palabras.... maravillosa.
Muere Ray Thomas a los 76 años vocalista, flautista y cofundador de la banda británica The Moody Blues ....D.E.P.
Thomas fundó The Moody
Blues en 1964 junto a Mike Pinder, Graeme Edge, Clint Warwick y Denny
Laine. Dos años después, Justin Hayward y John Lodge reemplazaron a
Laine y Warwick, orientando el sonido del grupo hacia el rock
progresivo.
Thomas fundó The Moody
Blues en 1964 junto a Mike Pinder, Graeme Edge, Clint Warwick y Denny
Laine. Dos años después, Justin Hayward y John Lodge reemplazaron a
Laine y Warwick, orientando el sonido del grupo hacia el rock
progresivo.
Willson Pickett lanzo Land of thousand dances’ (La tierra de las mil danzas) en 1966, pero esta canción habia sido
compuesta cuatro años antes por Chris Kenner. Esta canción ha sido interpretada por multitud de artistas pero yo personalmente me quedo con la versión de Willson Pickett sin duda, por esa maravillosa voz y esa fuerza a la hora de interpretarla que te deja impresionado
Inicialmente no tuvo mucho éxito y ni siquiera logró entrar en las
listas, pero como era muy fácil de tocar y fue acogida por muchas bandas
que actuaban en fiestas de fin de curso. Eso fue lo que le dio su
enorme popularidad. Wilson Pickett también lo vio y le dio carácter
universal. El estribillo que más fama ha alcanzado precisamente no tiene letra.
Se limita a canturrear «Na, na na na na, na na na na, na na na, na na
na, na na na na». Proviene de la versión que protagonizó el grupo
Cannibal and the Headhunters. A su cantante se le olvido la letra en una
actuación cuando versionaban el tema y se inventó el «Na, na na na na,
na na na na, na na na, na na na, na na na na». Después de su autor, Chris Kenner, la cantaron Fats Domino, Rufus
Thomas, Cannibal and the Headhunters, Little Willie and Thee
Midnighters, Wilson Pickett, Tina Turner, Patti Smith, Tom Jones o
Junior Walker, entre otros muchos.
La formación del grupo en este momento consistía en el saxofonista Jerry
Martini, el hermano de Sly Freddie Stewart en la guitarra, el bajista Rusty Allen (quien reemplazó a Larry Graham, quien dejó el grupo para
formar su propia banda Graham Central Station), el baterista Bill
Lorden, trompetistaCynthia Robinson, las dos hermanas de Sly Rose Banks en clavinet y Vanetta en los teclados, el violinista Sid Page, el saxofonista Pat Rizzo y liderada por Sylvester Stewart más conocido por Sly Stone. La banda estaba integrada por miembros de distinto sexo y color, multirracial ... algo totalmente novedoso y extraordinario para la época y ademas fue una banda que estableció bases para muchas tendencias musicales como el soul o el funk. Sly & The Family Stone está considerada una de las bandas fundamentales para entender el nacimiento y desarrollo del funk, al nivel de James Brown y Parliament. Su labor de apertura hacía otros géneros como el rock, la psicodelia, el soul, el rhythm & blues o el pop le convierten en uno de los más importantes grupos, no sólo de funk, sino de toda la historia de la música popular. Esta banda nunca fue valorada y apreciada en toda su plenitud. Pero artistas como Prince conocieron perfectamente a esta banda tomando nota e influencias que le servirían para poder desarrollar su propio estilo.
Este es otro de esos temas clásicos que escuchamos muchas veces y que es de Timmy Thomas pianista y cantante ademas de compositor, que lanzo este tema en el año 1972 teniendo bastante éxito, luego tocado y versionado por bastantes músicos, sin duda uno de los mejores cover es por estos dos grandes... Steve Winwood y Carlos Santana.
Este tema de Sister Moonshine me trae muy buenos recuerdos y por lo tanto nunca tendrá fecha de caducidad para mi.....Supertramp fue un grupo que apunto estuvo de no llegar a nada y en el último intento o como decía Roger Hodgson "con la última bala en la recamara" lo intentaron una última vez más y tuvieron suerte......sus primeros discos estuvieron bien y luego se fueron perdiendo en el comercio de la musica. En 1970 con Supertramp y su tema Surely y otros ....en el 71 Indelibly stamped.....en el 74 dieron el pepinazo con el discazo Crime of the Sigle...seguido del Crisis ? What Crisis? en el 75 .......Even in the Quietes Moments en el 77 ....y stop...me bajo aquí.... Supertramp grupo británico fundado en 1969 por el músico Rick Davies, con el apoyo financiero de Stanley August Miesegaes un mecenas y millonario holandes, la primera formación de Supertramp, integrada por Roger Hodgson, Richard Palmer y Robert Millar, publicó un álbum homónimo dominado por el rock progresivo de escaso éxito comercial, seguido de un segundo trabajo, Indelibly Stamped, en el que Palmer y Millar fueron sustituidos por Frank Farrell, Kevin Currie y Dave Winthrop.
A pesar del escaso éxito inicial y de que Miesegaes cortó la
financiación del grupo, Davies y Hodgson crearon una nueva formación,
integrada por Dougie Thomson, John Helliwell y Bob Siebenberg, cuyos trabajos incluyeron un sonido más orientado al pop y elementos del art rock con un uso predominante del piano Wurlitzer y del saxofón. El primer álbum de esta formación, Crime of the Century, favoreció el auge comercial de Supertramp.
Déjà Voodoo es un álbum de la banda sureña de rock Gov't Mule. Fue el primer álbum de Gov't Mule en presentar a Andy Hess y Danny Louis
como miembros permanentes y también fue el primer álbum que Gov't Mule
no tocó en vivo antes de su lanzamiento. El título es una referencia al hecho de que la banda cree que se balancea como solía hacerlo antes de la muerte del ex bajista Allen Woody. DEJA VOODOO sirve como un regreso para Gov't Mule que perdió al miembro fundador Allen Woody en agosto de 2000. Bandmates Warren Haynes y Matt Abts continuaron con una búsqueda para llenar el espacio de Woody y esto llevó a grabaciones en vivo con bajistas invitados en cada tema. Acogen la llegada del ex bajista de Black Crowes Andy Hess y el teclado Danny Louis, cuya entrada transforma al Mule en cuarteto, aumentando el potencial creativo. Siendo el músico consumado que es Haynes guía a este potente conjunto por un amplio camino.
